Foto: UGC Se volete conoscere l'essenza del surrealismo, allora conoscete un brillante rappresentante di questa direzione nella pittura del ventesimo secolo. Questo è Salvador Dali. I dipinti dell'artista spagnolo sono l'incarnazione della filosofia e dello spirito del surrealismo, dell'epatage e dell'iper-emotività. Scopri fatti interessanti sulle sue migliori creazioni.
Salvador Dali si è identificato con il Surrealismo. Tutto dell'artista corrispondeva a questo concetto estetico: il suo pensiero, la sua maniera, la sua follia, la sua libertà da precetti morali e comportamenti stereotipati, la sua emotività e apertura.
Dali era un epatage nell'arte e nella vita. Ha sempre fatto solo quello che voleva fare, e ha scritto di ciò che riteneva opportuno. Non è quindi sorprendente che negli anni '30 e '50 il pubblico sia stato scioccato dai suoi esperimenti artistici. Il pittore, che eccelleva nelle tecniche di disegno classico, era appassionato di impressionismo e cubismo, e di conseguenza arrivò al surrealismo.
Questa tendenza dell'arte ha permesso all'artista di parlare francamente del più intimo: toccare il tema del sesso e dell'erotismo, della perversione sessuale e dei desideri sessuali repressi, della distruzione e dell'autodistruzione dell'uomo. Ma il tema principale dei suoi dipinti - è l'illusione, il mondo in cui una persona si trova.
Foto: art-holst.com.ua: UGC
I quadri di Salvador Dali sono difficili da interpretare, per dare una spiegazione logica di certe immagini, dettagli, per leggere il loro significato. Questo perché sono composti da giochi di parole visivi, immagini schizoidi, allusioni, e sono costruiti giocando con i significati e le trame.
Presenta i quadri più famosi di Dali con brevi descrizioni. Prova a confrontare i significati rivelati dagli storici dell'arte con le tue impressioni ed emozioni che questi dipinti surrealisti evocano:
"La permanenza della memoria" (1931)
Foto: muzei-mira.com: UGC
Questo dipinto ha diversi titoli: "The Soft (flowing) Clock", "The Flow of Time" e "The Hardness of Memory". Il grande mistificatore Dalì ha dato diverse spiegazioni sui simboli che sono rappresentati sulla tela, ma questo ha ulteriormente confuso gli storici dell'arte.
"La permanenza della memoria" manda in frantumi lo stereotipo della percezione del tempo da parte dell'uomo. L'autore sottolinea che è lontano dalla linearità con cui il tempo è spesso associato.
L'idea del quadro venne a Dalì durante la colazione, quando Gala stava spalmando del formaggio morbido su un toast. Il pittore ha dipinto il quadro mentre era sopraffatto da un'emicrania. Da qui i toni cupi, la predominanza di tonalità grigio-marroni.
L'immagine centrale, una testa a terra, in cui lo stesso Dalì è riconoscibile, è il desiderio incarnato di pace e di riposo dal dolore. Le altre immagini (che si trovano frequentemente sulle sue tele) rappresentano l'idea della deperibilità dell'esistenza: formiche e mosche mangiano il tempo, come l'invecchiamento mangia il corpo umano. La riva rocciosa e il mare sono simboli dell'immortalità, che è senza tempo, eterna, così è sullo sfondo. L'ulivo esaurito rappresenta la vita esaurita. L'intero dipinto esprime malinconia e dissolvenza.
Attualmente, questo piccolo dipinto (24x33 cm) adorna il New York Museum of Modern Art.
Natura morta.
Dettagli di natura morta si possono trovare in molti dei dipinti di Dali - ha anche prodotto diverse nature morte "pure". Vale la pena notare un certo numero di composizioni dipinte dal giovane Dalí - sono eseguite nello stile della natura morta spagnola del XVII secolo, di cui Diego Velázquez e Francisco Zurbarán erano maestri. "Natura morta con melanzane", 1922, può essere considerato un tipico esempio dello stile giovanile di Dalì. Molto più originale è la sua "Natura morta vivace" (a volte chiamata "Natura morta - Movimento veloce"), 1956, che è un tentativo di riconsiderare le regole generalmente accettate per questo genere, per superare lo statismo e ritrarre oggetti in movimento.
"Costruzione morbida con fagioli bolliti" (1936).
Foto: opisanie-kartin.com: UGC
Questa tela rappresenta la reazione di Salvador Dali ai processi politici interni che travolsero la Spagna alla fine degli anni 30. Era il periodo in cui Franco salì al potere, la lotta tra repubblicani e nazionalisti. Il paese era alla vigilia della guerra civile.
Nonostante il fatto che Dalì fosse un sostenitore di Franco, il dipinto, che doveva rappresentare i cambiamenti positivi nella società, è sorprendentemente fantasmagorico e inquietante nelle sue immagini.
Il confronto politico nella Spagna del 1936, descritto sopra, è presentato dall'autore come due corpi umani, che sono fusi con diverse parti del corpo e ne soffrono. Sembra che stiano lottando, vogliono separarsi e non possono esistere l'uno senza l'altro, perché in questo modo si perderebbe l'appoggio. Una manciata di fagioli bolliti sparsi vicino al braccio magro di uno degli atlantidei è un simbolo della povertà che ha invaso la società spagnola.
Il dipinto si trova ora al Philadelphia Museum of Art.
Marketing intelligente
Dali iniziò la sua storia artificiale negli Stati Uniti negli anni 40, dove uscì una vera autobiografia di marketing, The Secret Life of Salvador Dali, scritta da lui stesso. Con fatti falsi, dettagli epatici di alto profilo (esagerati e fittizi), e riferimenti scandalosi al personaggio di Dalì.
La sorella di Salvador fu così indignata da queste bugie che l'anno successivo pubblicò il suo libro di memorie. E questo faceva già infuriare Dalì! Dopo tutto, questa buona pubblicità ha rovinato la sua immagine di uomo di marca e non ha favorito l'arricchimento. Il denaro scorreva nelle mani di coloro con i quali lo scandalo, l'ambiguità e l'impertinenza andavano di pari passo. Erano quelli su cui Gala e Dalì hanno scommesso. E la verità della sorella non rientrava in questo paradigma.
Salvador Dali scrive il suo libro a Hampton, Virginia (1941) / Foto: Eric Schaal
"La giraffa in fiamme" (1936-1937)
Foto: cameralabs.org: UGC
Un altro quadro di una serie di dipinti, in cui Dali ha trasmesso la propria esperienza e il senso della guerra. Il quadro, come tutte le altre creazioni dell'autore, contiene immagini mistico-fantastiche che colpiscono l'immaginazione con la loro assurdità. Ma se si spegne il pensiero razionale e ci si affida unicamente alla percezione emotiva, allora tutti i significati diventano chiari.
Le due figure femminili (l'immagine preferita di Dalì) sono l'incarnazione della coscienza umana. Non è resiliente, traballante, ha costantemente bisogno di un sostegno e di un appoggio. I cassetti sono ricordi e pensieri che la gente vuole nascondere, ma a un certo punto li rivela al pubblico. Questo porta alla tragedia (le mani insanguinate delle eroine).
La giraffa, avvolta dalle fiamme, è posta dall'autore sullo sfondo. Simboleggia l'elemento apocalittico maschile. Nell'insieme il quadro è una premonizione incarnata della guerra in Spagna.
Attualmente è in custodia presso il Musée d'art de Basle.
Ritratti
Dali non è molto conosciuto come ritrattista, ma aveva una certa esperienza nel genere. Il giovane Dalì dipinse ritratti della sua famiglia e dei suoi amici - per esempio, Ritratto di Maria Carbone, 1925. Dopo essersi trasferito a New York, l'artista ha scoperto che fare ritratti era molto redditizio. Continuò a fare commissioni di questo tipo durante le sue visite in America negli anni del dopoguerra. "Ritratto della signora Jack Warner, 1945 è uno di questi. Il successo americano di Dalì come ritrattista era, da un lato, dovuto allo snobismo dei ricchi americani che si vantavano di avere un artista di fama mondiale che lavorava per loro, ma dall'altro, era dovuto alla capacità di Dalì di creare immagini che erano lusinghiere per il cliente.
"Cigni riflessi in elefanti" (1937).
Foto: a-nasta-siya.livejournal.com: UGC
Il tema dell'illusione di tutte le cose (il soggetto preferito dell'artista) si riflette in questa creazione. Rappresenta un particolare metodo paranoico-critico dell'artista.
La tela cattura il suo trauma infantile, sepolto nel profondo del subconscio e ricordato dalle immagini-simbolo degli animali. La composizione è costruita in modo tale da rivelare l'essenza dell'illusione in cui l'uomo vive e che lo sopprime.
È noto che Salvador Dali aveva un rapporto difficile con i suoi genitori. Hanno sofferto molto per il primo figlio che hanno perso da bambino. Così al secondo figlio fu dato lo stesso nome del primogenito: Salvador. Il futuro artista si trovò in giovane età di fronte all'illusione della realtà: circondato dagli oggetti e dai giocattoli dell'infanzia di suo fratello, non riusciva a capire se fosse vivo o morto, se esistesse lui o suo fratello.
Il genio surrealista ha espresso questi sentimenti e il risentimento contro i suoi genitori in Swans Reflected in Elephants. I cigni sono l'illusione di una famiglia buona e amorevole, mentre gli elefanti sono l'incarnazione del vero amore parentale.
Dali esaltava gli elefanti per la loro cura disinteressata della loro prole. Inoltre, gli elefanti rappresentano il dominio e il potere, qualcosa che mancava chiaramente al piccolo Salvador per sentirsi sicuro.
L'uomo addolorato raffigurato a sinistra, su uno sfondo di rocce, è l'autore stesso, che non è pronto a separarsi dal risentimento, non è pronto a voltarsi per affrontarlo.
Il dipinto è attualmente di proprietà di un collezionista privato.
Dali e Gala
All'epoca, uno dei temi più importanti nell'arte di Salvador Dali - il sesso - non stava andando via. Alcuni autori hanno l'ipotesi che l'artista non sia mai stato con una donna prima di incontrare Gala (Dominique de Gasquet e Paquita Llorens Verges lo credono, come scrivono nel loro libro "Gala and Dali. Looking Glass"), alcuni credono che fosse del tutto impotente (come descritto nel libro The shameful life of Salvador Dali, Ian Gibson).
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Gala e Salvador Dali
Monse Ager dice che Dali ha certamente avuto una relazione sessuale con Gala. In effetti, l'artista potrebbe essere stato più interessato al sesso come tema per la sua arte che come mezzo di piacere, ma questa ipotesi non può essere verificata. Il suo interesse morboso per il soggetto può essere legato al fatto che da bambino suo padre mostrò al giovane Dalì un'immagine delle conseguenze della sifilide, che influenzò fortemente l'impressionabile Salvador.
Salvador D, 194, Giovane Vergine Auto-Sodomizzata dalle corna della sua stessa castità pic.twitter.com/64rNAWG4D
- mario andreolini (@marioandreolini) 5 giugno 2016
"Riva incantata con tre grazie liquide" (1938)
Foto: artchive.ru: UGC
Molti conoscono le immagini delle tre Charitas, o Grazie, della mitologia greca. Rappresentano l'allegria, la grazia e l'ispirazione. Questo non è sorprendente perché servono la dea dell'amore Afrodite. Ma ci sono anche altre tre dee nella mitologia greca dalle quali dipende il destino e la longevità di una persona. Sono i Moira.
Salvador Dali decise di combinare queste due immagini, creando un'immagine della vita dell'anima umana. La prima eroina, con un lungo fuso tra le mani, comincia a tessere il pizzo del destino. Il secondo è un simbolo della maturità dell'anima umana, quando si arriva a realizzare se stessi, la propria identità. Per questo è l'unico che ha una forma chiara.
A proposito, se guardate attentamente le caratteristiche, vedrete un cavaliere su un cavallo e un uomo che gli corre dietro. Questi contorni simboleggiano il desiderio umano di vivere la vita più velocemente, l'eterna ricerca dei sogni.
La terza è l'incarnazione del morire, quindi il suo volto è una pietra. È così che l'anima si congela dopo la morte. Ecco perché la figura della terza Grazia-Moira si fonde quasi con il paesaggio, mentre le altre due hanno forme femminili chiaramente delineate.
Anche lo sfondo su cui sono raffigurati è simbolico: la riva sabbiosa rappresenta la fugacità della vita umana, mentre il mare rappresenta l'eternità.
Il quadro è conservato a Figueres, in un museo e teatro creato dall'autore.
1962-1963 - DNA.
Salvador Dali era amico dello scienziato Severo Ochua, dal quale apprendeva tutte le novità della scienza. Dali era anche amico di Francis Crick, James Watson e Maurice Wilkins, che hanno ricevuto il premio Nobel per la fisiologia o la medicina nel 1962 per la scoperta del DNA.
Getty Images
Severo Ochua
Questa scoperta influenzò Salvador, riflettendosi nelle sue opere stereoscopiche dove riproduce la struttura del gene. Questa scoperta rafforza anche il desiderio di immortalità dell'artista. Oltre al ritratto del fratello morto, di cui abbiamo scritto all'inizio, una delle opere più interessanti, create da Dalì sotto l'impressione della scoperta scientifica, fu il quadro GALACIDALACIDESOXIRIBUNUCLEICACID (presagi a Crick e Watson): in esso Dali combina l'immagine della struttura del gene con gli angeli - e di nuovo la scienza con la religione. Forse crede che il segreto dell'immortalità sia nel combinare queste due cose opposte.
#OnThisDay nel 1953, Crick e Watson scoprirono il DNA. Dali gli rende omaggio nel suo "Galacidalacidesoxiribunicacid" del 1963. pic.twitter.com/GeGmVxNtqH
- Il Museo Dalì (@TheDali) 28 febbraio 2017
"Un sogno indotto dal volo di un'ape..." (1944)
Foto: artrue.ru: UGC
Come rappresentare con immagini pittoriche la nascita di un sogno? La teoria freudiana dei sogni come manifestazione dei desideri inconsci ha dato vita alla pittura. In esso, l'autore ha ritratto un'ondata di immagini subcoscienti, il cui messaggio erano le circostanze reali del sogno di una donna. E ora per andare in dettaglio e in ordine.
Le immagini rappresentate nel quadro formano chiaramente due proiezioni: il vicino - la donna che dorme - è la realtà; le tigri, l'elefante, il melograno rotto e il mare sono l'inconscio, che genera i sogni.
Salvador cattura Gala, la sua amante, musa e moglie, nell'immagine della donna che dorme. La posa rilassata della donna indica che sta dormendo. Un melograno giace accanto a lei, con un'ape che ci vola sopra.
Un'ape che ronza nel subconscio stimola la comparsa di immagini associate all'aggressività - tigri furiose da circo che saltano fuori dalla bocca di un pesce predatore focoso. Quest'ultimo a sua volta emerge dal nucleo mistico del melograno, che ricorda la carne strappata (i due grani sono gocce di sangue).
Considerando che il quadro si completa con l'immagine di un elefante a gambe lunghe con un iceberg sulla schiena, diventa evidente il sottotesto freudiano del quadro: la percezione emotiva della donna del coito. È associato all'assalto, al sacrificio e alla morte (la pistola estratta).
Questo quadro di Salvador Dalí si trova nel Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid.
Cinema
Dalì incontrò Luis Buñuel (1900-1983) a Madrid quando era studente. Insieme hanno realizzato due film surrealisti, Il cane andaluso, 1928 e L'età dell'oro, 1930. Nel secondo film, il coinvolgimento di Dalì fu piuttosto nominale, ma ne Il cane andaluso la sua fantasia oscura e il suo desiderio di subordinare la realtà alla logica del sogno determinarono ampiamente il successo del film. La cosa più impressionante erano gli scatti che Dali offriva di una mano coperta di formiche e di un occhio tagliato con una lama di rasoio. Negli Stati Uniti, l'artista ha lavorato con un altro grande regista, Alfred Hitchcock. Per il suo film del 1945 Spellbound (il cui tessuto artistico poggia sugli assiomi della psicoanalisi), Dali ha inventato la sequenza del sogno. Inoltre, l'artista ha discusso la possibilità di lavorare con Walt Disney, ma non è andato oltre la discussione.
"Mia moglie, nuda, che guarda il proprio corpo..." (1945)
Foto: artchive.ru: UGC
Gala non era solo una moglie e una donna amata, ma un modello del mondo, attraverso il quale Salvador Dali ha cercato di scoprire l'eterno, il bello e l'immutabile.
La pittura è intrisa della tragedia di percepire la caducità dell'esistenza e la ricerca di ciò che è eterno e imperituro. Come nella maggior parte dei dipinti di Salvador Dali, l'immagine è soggetta a una composizione a doppio piano. In primo piano c'è una donna rappresentata di spalle. Le curve del suo corpo sono belle e delicate. È l'incarnazione dell'uomo, la sua essenza corporea.
Alla sua destra un bassorilievo greco, simbolo dell'eternità della cultura, e un dente di leone, simbolo della fugacità dell'esistenza. Il muro contro cui sono raffigurati è incrinato, suggerendo che queste immagini sono un riflesso della caducità dell'esistenza. Lo stesso vale per la donna: i suoi capelli sono un'estensione di queste crepe.
La prospettiva, invece, è l'eternità incarnata. Una volta, da bambino, Salvador Dali trovò una conchiglia vuota sulla riva del mare e rimase affascinato dalla sua struttura e dalla sua perfetta bellezza. Attraverso il guscio vuoto di ossa, il cielo scrutava - eterno e irraggiungibile.
L'artista ha trasferito questa idea all'immagine di Gala. L'eroina è proiettata sullo sfondo, dove diventa eterea, trasformata in un pergolato traforato, attraverso le cui colonne si apre il mondo. La sua testa è una piattaforma da cui si può vedere il cielo.
Il dipinto si trova nel Museo-Teatro Salvador Dali in Spagna.
Autoritratti
Dali, essendo un uomo infinitamente narcisista, si è spesso reso l'eroe dei suoi quadri. Alcuni dei primi autoritratti di Dali erano molto naturalistici, come l'Autoritratto con il collo di Raffaello, 1922. Il titolo qui rimanda lo spettatore al famoso autoritratto di Raffaello. In altre opere, Dalì dipinge se stesso in modo più discreto - un esempio è Sleep, 1937, che raffigura una strana creatura con caratteristiche che ricordano l'artista.
Paesaggi
All'inizio della sua carriera, Dalì dipinse una serie di paesaggi della sua patria. Più tardi abbandonò le convenzioni della pittura, ma i paesaggi spagnoli erano spesso presenti nei suoi quadri surrealisti. In "Mountain Lake", 1939, la striscia d'acqua è copiata da un lago vicino a Requesens nei Pirenei, e le rocce ricordano un promontorio vicino a Cadaqués. Il telefono allude alle conversazioni telefoniche tra Adolf Hitler e il primo ministro britannico Neville Chamberlain, che terminarono con l'accordo di Monaco del 1938. Più tardi, i paesaggi di Dalì divennero piuttosto fantastici - Paesaggio surrealista, 1968, ne è un esempio.
Stile tardivo
Le ultime opere di Dali mostrano l'influenza di nuovi movimenti artistici - in particolare l'espressionismo astratto americano e la pop art. Il sesso continuò ad essere un tema importante nell'opera di Dalì, ma nell'ultimo periodo riuscì a creare una serie di dipinti significativi con contenuto religioso. Molti critici videro il lavoro di Dalì del dopoguerra come l'ultimo tradimento del surrealismo classico. Questo non è affatto vero - è nei suoi dipinti "religiosi" che l'artista ha dimostrato una notevole capacità di interpretare temi e immagini tradizionali in un modo completamente nuovo.
Forse il dipinto religioso più impressionante di Dali è il Cristo di San Giovanni della Croce. Questo quadro non piacerà a tutti, ma tutti saranno disturbati e vi farà pensare. Una volta che lo vedi, non lo dimenticherai mai.
